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Vous pouvez également découvrir l'objet du mois en visite guidée au musée !
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L’objet du mois de janvier 2020 : noix de coco gravée
A quoi ça ressemble ?
Il s’agit d’une moitié de noix de
coco, cerclée de métal avec un anneau. Elle porte un décor gravé : sur un
podium portant les initiales AA, sont posés deux cœurs enflammés. De chaque
côté du podium, des armes (arc, flèches, lance, bouclier) et des branches
d’olivier. Au-dessus, une couronne de feuillages est suspendue. Tout le fond
est travaillé en hachures.
Une extrémité est sculptée en forme
de tête d’animal ressemblant vaguement à un lion, avec des yeux en verre.
Comment est-ce arrivé au
musée ?
Cet objet provient du château de la
Tour à Saint-Chaptes, il a été donné par le marquis de Lordat en 1961 avec
plusieurs autres objets faisant partie autrefois d’un cabinet de curiosités,
probablement constitué par les anciens propriétaires du château entre 1764 et
1835, la famille Chabaud-Latour. Les cabinets de curiosités sont les ancêtres
des musées. Ils apparaissent en Europe à partir de la Renaissance, ce sont des
ensembles d’objets rassemblés par de riches
collectionneurs privés, réunissant curiosités naturelles (minéralogie, animaux
empaillés, coquillages) et artificielles (archéologie, œuvres d’art, objets
exotiques), mélangées dans une présentation plus baroque que scientifique...
A quoi ça servait ?
C’est ce qu’on appelle une tasse de
chasse : un petit gobelet que les chasseurs transportaient sur eux,
attaché par l’anneau, pour pouvoir se désaltérer pendant une partie de chasse.
Ce genre d’objet existait aussi en argent, avec la même forme ovale. Jusqu’à la
Révolution, la chasse était réservée aux nobles, qui utilisaient donc des
accessoires luxueux dans des matières comme l’argent. Mais la noix de coco
aussi était considérée autrefois comme un matériau précieux, exotique donc rare
et original.
Que signifie le décor ?
Il représente l’autel de l’Amour,
sur lequel les cœurs des amants sont sacrifiés, et qui rend inutiles les armes
(les branches d’olivier symbolisent la paix).
Les tasses de chasse portent
souvent des décors évoquant l’amour, ou des scènes de chasse.
La tête d’animal est une
utilisation astucieuse de la forme naturelle de la noix de coco, qui comporte
trois trous au sommet. Si on la coupe en deux, il reste deux trous que l’on
peut facilement transformer en yeux avec des perles de verre.
De quand ça date ?
Cet objet a probablement été
fabriqué à la fin du 18e ou au début du 19e siècle, son décor est de style
néo-classique, à la mode de l’époque de Louis XVI à la Restauration (années
1820-30).
Qui l’a fabriqué ?
Chez les antiquaires ce genre
d’objet est souvent désigné comme « travail de bagnard ».
Le système du bagne remonte au 17e
siècle. Au départ, sous Louis XIV, les condamnés (criminels ou simples victimes
de persécutions religieuses), sont envoyés aux galères dans l’arsenal de
Marseille. Ils rament pour faire avancer les galères de la Marine royale, mais
sont aussi employés dans la construction de navires. A partir de 1748, les
galères sont supprimées et les prisonniers envoyés dans des bagnes, à Toulon,
Brest, Rochefort, toujours employés dans la construction navale mais aussi dans
divers travaux de force. A partir de 1851, les bagnes sont déplacés le plus loin
possible de la métropole, dans des colonies comme la Guyane et la
Nouvelle-Calédonie.
Pendant leurs moments de repos, les
bagnards s’occupaient en fabriquant divers objets d’artisanat qu’ils pouvaient
vendre pour gagner un peu d’argent. En Guyane, ils furent nombreux à graver des
noix de coco, qu’on appela par dérision des « œufs de
bagnard » !
Mais notre objet est plus ancien,
il n’a sans doute pas été fabriqué dans un bagne de Guyane.
Il pourrait s’agir d’un travail de
marin : les traversées étaient longues au temps de la marine à voile, et
il était facile de rapporter de ses voyages une noix de coco qu’on gravait au
canif pendant le voyage de retour. Le thème de l’autel de l’Amour laisse
imaginer un marin qui voulait offrir cet objet à l’élue de son cœur…
Découvrez l'objet du mois en visite guidée au musée !
Rendez-vous le jeudi 20 février 2020 à 16h.
L’objet du mois de décembre
2019 : la malle d’André Gide au Congo
 |
| Photo Marc Allégret |
A quoi ça
ressemble ?
C'est une malle ou cantine en fer, peinte en noir. Sur le couvercle, il y a des
inscriptions peintes en blanc : « Gide- Allégret - Brazzaville ».
A l’intérieur, se trouvent une moustiquaire, un filet à papillons et des vêtements d’homme
pour climat chaud : vestes, gilets, pantalons, en coton ou en lin blanc ou
beige, ainsi qu’une chemise de nuit.
A qui était-ce ?
Comme l’indique l’inscription, à l’écrivain André Gide
(1869-1951).
De quand ça
date ?
Cette malle lui a servi pour son voyage au Congo en
1925-1926.
André Gide a toujours aimé voyagé. Toute sa vie, il a
parcouru en tous sens l’Europe et le bassin méditerranéen. Mais depuis
longtemps il rêvait de découvrir l’Afrique. Son rêve se réalise à 56 ans, en
1925. Pour financer l’expédition, il n’a pas hésité à vendre sa bibliothèque,
riche d’éditions rares et de manuscrits, dont beaucoup lui avaient été offerts
par d’autres écrivains… ce qui crée quelques rancunes !
André Gide part avec Marc Alllégret. Ce dernier est âgé de
25 ans. C’est le fils du pasteur Elie Allégret, qui avait été le précepteur de
Gide dans son adolescence. Marc et Gide ont eu quelques années auparavant une
relation amoureuse, qui se transforme par la suite en un lien d’affection
quasiment familiale. Comme plus tard son jeune frère Yves, qui deviendra
cinéaste et épousera Simone Signoret, Marc Allégret est attiré par les métiers
de l’image : photographie, cinéma. C’est pour l’encourager dans cette voie
que Gide le charge de réaliser un reportage sur son voyage. Marc va ainsi
prendre des centaines de photos et tourner son premier film documentaire.
Les deux amis se lancent dans un long voyage de près d’un
an. Partis de France en juillet 1925, ils débarquent au Congo belge et
remontent vers le Tchad via le Congo français et l’Oubangui-Chari. Ils descendent
ensuite jusqu’au Cameroun avant de revenir en France en mai 1926.
Depuis la fin du 19e siècle, l’Afrique a été entièrement
colonisée par les pays européens, et les territoires que traverse Gide sont
sous la tutelle de la Belgique et de la France. L’empire colonial est une
source de fierté pour la France de l’époque, soulignée par l’organisation
d’Expositions Coloniales à Paris et en province.
Peu de gens remettent en cause le bien-fondé de cette
politique coloniale, justifiée par la nécessité d’ « apporter la
civilisation » (santé, éducation) à des peuples jugés inférieurs. Gide
lui-même profite de l’accueil d’un administrateur des colonies au Tchad, gendre
d’un ami.
Son voyage commence donc comme un séjour purement touristique.
Il se passionne pour la faune et la flore (d’où le filet à papillons), admire
les paysages, observe avec curiosité les populations locales. Rapidement il
constate que ces populations sont maltraitées. En effet la France a concédé les
forêts de ses colonies d’Afrique équatoriale (production de bois et surtout
d’hévéa) à des compagnies privées qui exploitent sans scrupules la main-d’œuvre
locale : travail forcé non rémunéré, brutalités, menaces… L’administration
coloniale est au mieux impuissante, au pire complice de ces exactions.
Choqué, Gide décide d’utiliser sa notoriété d’écrivain pour
dénoncer ces abus. « Désormais, une immense plainte m’habite ; je
sais des choses dont je ne puis pas prendre mon parti. Quel démon m’a poussé en
Afrique ? Qu’allais-je donc chercher dans ce pays ? J’étais
tranquille. A présent je sais ; je dois parler. » En 1927, il publie
donc un article dans la Revue de Paris,
puis deux livres : Voyage au Congo
et Le Retour du Tchad, qui provoquent une émotion considérable dans
l’opinion publique. Gide devient alors un écrivain engagé et plus seulement un
esthète de l’art pour l’art.
 |
| Gide sur le fleuve Congo |
Comment est-ce arrivé
au musée ?
De retour à Paris, Gide a rangé la malle dans la cave de son
immeuble, rue Vaneau dans le 7e. Puis il l’a oubliée, et ceux qui
ont habité son appartement après sa mort en 1951 ne semblent pas l’avoir
remarquée, jusqu’à ce que les propriétaires actuels la découvrent en 2000. Ils
ont alors décidé d’en faire don au musée d’Uzès, qui possède toute une salle
consacrée à l’écrivain (en effet, même s’il est né à Paris, la famille Gide
était originaire de l’Uzège).
Une fois au musée, la malle a été ouverte, son contenu
inventorié, et les vêtements, qui étaient restés entassés pendant 75 ans, ont
été nettoyés et défroissés. Détail révélateur : une des vestes est tachée
d’encre au niveau de la poche poitrine, la marque de l’écrivain…
Dernier rebondissement : en décembre 2019, l'écrivain et journaliste Jean-Claude Perrier, venu à la médiathèque d'Uzès pour présenter son livre "L'Univers d'André Gide", en a profité pour remettre au musée, en mémoire de Catherine Gide, le casque colonial que Gide portait pendant son voyage au Congo. Le casque et la malle sont désormais réunis !
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Rendez-vous le jeudi 19 décembre 2019 à 16h.
Attention, pas de visite en janvier, rendez-vous en février !
L’objet du mois de novembre 2019 : chenet zoomorphe, âge
du Fer
A quoi ça ressemble ?
C’est un objet en terre cuite rouge, mesurant 15 cm de haut,
représentant une tête d’animal aux oreilles pointues, au museau carré, à l’encolure
large. Elle est cassée au bas du cou. L’argile a été modelée et creusée de
stries profondes évoquant les dents et le pelage de l’animal.
Comment est-ce arrivé au musée ?
C’est un mystère ! Cet objet se trouvait déjà au musée
d’Uzès en 1945, lorsque le nouveau conservateur Georges Borias a entrepris l’inventaire
des collections. Mais comme beaucoup d’objets du musée, cette tête d’animal
avait sans doute perdu son cartel d’identification et le conservateur n’a pu
que mentionner « origine inconnue » dans le registre d’inventaire.
D’où ça vient ?
Un article du Bulletin Archéologique du Comité des
Travaux Historiques nous éclaire : lors de la séance du 14 décembre
1936, sont présentées au Comité les découvertes récentes de l’abbé Bayol, curé
de Collias et archéologue amateur. L’abbé Bayol s’est notamment fait connaître
par ses explorations des grottes des gorges du Gardon, dont l’une (ornée de
peintures rupestres de la Préhistoire) porte même son nom. L’article du Bulletin
Archéologique signale qu’il a trouvé « trois chenets en argile, encore
inédits, découverts l’un à Uzès […], les deux autres […] à Collias. »
Hélas l’article ne précise pas l’endroit exact de la découverte à Uzès. Mais l’illustration
ne laisse aucun doute : c’est bien notre tête d’animal qui a été trouvée à
Uzès par l’abbé Bayol, au plus tard en 1936.
Or l’abbé Bayol avait participé à une commission créé en
1931 par la municipalité d’Uzès pour « s’occuper de la réorganisation
et la remise en ordre du musée » ; en effet le musée, créé en
1910, connaissait depuis la Première Guerre une phase d’abandon. Un article du Journal
d’Uzès du 30 juillet 1938 confirme son intervention : le maire d’Uzès
rappelle que « M. le Curé de Collias, le savant abbé Bayol, […] a bien
voulu se charger de remettre en ordre cette importante collection de
coquillages et d’objets préhistoriques. »
Il est donc possible que l’abbé ait fait don de cet objet au
musée qu’il a réorganisé, entre 1931 et 1936.
De quand ça date ?
D’après la comparaison avec des objets similaires, cet objet
date de la fin de l’Age du Fer (entre le Ve et le Ier siècle av. JC). L’âge du
Fer débute vers 800 avant notre ère et se termine avec la conquête de la Gaule
par les Romains. C’est une période d’évolution technologique, avec la maîtrise
de la métallurgie, qui est également caractérisée par des sociétés de plus en
plus hiérarchisées : les guerriers, possesseurs d’armes en fer, ont une
position dominante. Les contacts avec le monde méditerranéen s’intensifient,
particulièrement dans le sud de la Gaule avec la présence de colons grecs à
Marseille, Nice, Agde, et dès le Ier siècle avant JC avec l’implantation des
Romains en Narbonnaise. C’est peut-être sous l’influence des Grecs et des
Romains qu’apparaissent les premières villes : l’habitat se concentre dans des
enceintes fortifiées, souvent situées en hauteur, les oppida.
Les Gaulois partagent une culture commune mais ils ne sont
pas un peuple unique, plutôt une juxtaposition de tribus souvent en guerre les
unes avec les autres. Le Languedoc oriental est le territoire des Volques Arécomiques,
connus à partir de la fin du VIe siècle.
A quoi ça servait ?
Comme l’indique le Bulletin Archéologique, c’est un
fragment de chenet. Les chenets n’ont aujourd’hui plus qu’un rôle utilitaire
dans nos cheminées, ils servent de support aux bûches. Pour les Gaulois, ils étaient
sans doute également liés à des pratiques rituelles : on jetait dans le
feu les offrandes aux divinités ou aux défunts (nourriture, statuettes, objets
précieux). Il s’agissait d’un culte domestique, pratiqué dans chaque foyer,
attesté en Languedoc à partir du Ve siècle avant notre ère. On a retrouvé de
nombreux chenets en terre cuite dans la zone entre Rhône et Hérault. Plus tard,
à l’époque gallo-romaine, apparaissent des chenets plus volumineux, en pierre.
Tous ces chenets sont généralement ornés de têtes d’animaux : chiens,
chevaux, béliers. Le terme même de chenet vient de « chiennet » ou « petit
chien » !
Pour l’identification de notre animal, les avis divergent.
Le Bulletin Archéologique décrit une tête de chien. Dans son livre Uzès
celtique et romaine, Jean Charmasson pense reconnaître un cheval. Alors,
qui a raison, chien ou cheval ? on pourrait aussi y voir un sanglier…
Comme le rappelle très justement Jean Charmasson, la sculpture gauloise n’est
jamais réaliste ; les formes sont simplifiées, souvent difficiles à
identifier avec précision. Le chien et le cheval avaient pour les Gaulois un rôle
symbolique fort : le chien était le gardien du foyer, et le cheval
transportait les âmes des défunts dans l’au-delà. Tous deux avaient donc leur
place sur un objet lié au culte des défunts et à la protection du foyer.
La découverte de cet objet à Uzès nous confirme qu’il y
avait bien là dès l’époque gauloise une agglomération, qui sera connue à l’époque
gallo-romaine sous le nom d’Ucetia.
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Rendez-vous le jeudi 21 novembre 2019 à 16h.
L’objet du mois d'octobre 2019 : carreaux de pavement du 14e siècle
A quoi ça
ressemble ?
C’est un ensemble de 230 carreaux en terre cuite, d’environ
12 x 12 cm. Certains sont unis, avec une glaçure jaune, verte ou brune.
D’autres sont blancs avec des motifs peints en vert et brun. Il y a des motifs
géométriques (cercles, damiers), des blasons de fantaisie (qui ne correspondent
à aucune armoirie), des motifs de feuillages, des fleurs de lys et même des
animaux : un oiseau, une tête d’animal fantastique (dragon ?). Il y a
aussi beaucoup de carreaux tellement usés qu’il ne reste plus rien en surface,
juste des traces de glaçure sur les bords.
Comment est-ce arrivé
au musée ?
Ces carreaux proviennent du château de Blauzac. Ils se
trouvaient à un étage qui a été autrefois incendié ; cet étage n’a pas été
reconstruit mais ensuite transformé en comble. Les carreaux sont restés en
place jusque dans les années 1990, quand le propriétaire du château les a
enlevés à l’occasion de travaux. Ils ont ensuite été vendus à un brocanteur qui
les a proposés au musée, sur les conseils de l’architecte Ariel Balmassière.
Ils ont pu être achetés en 2009 par l’association des Amis du musée, avec
l’aide du FRAM Languedoc-Roussillon.
De quand ça
date ?
Le décor des carreaux et leur forme, avec des bords en
biseaux, sont très proches d’autres carrelages trouvés dans le Vaucluse, à
Avignon (Palais des Papes) et à Châteauneuf-du-Pape. Ces carreaux sont datés
par les spécialistes de la première moitié du XIVe siècle : pour les
carreaux du Palais des Papes, achats vers 1317 puis à partir de 1334 ;
pour Châteauneuf, construction du palais entre 1317 et 1333. Nous verrons plus
loin que cette datation peut être affinée en fonction du destinataire.
Qui l’a
fabriqué ?
Il y a de fortes chances que ces carreaux viennent du même
atelier que ceux du Palais des Papes, vu leur similarité. On sait par les comptes
dans les archives du Vatican que de grandes quantités de carrelages avaient été
commandées en 1317-18 par le pape Jean XXII à des artisans de Saint-Quentin la
Poterie : les frères Pouzilhac, Raymond Roman et Raymond Sabran. Le pape suivant,
Benoît XII, a fait faire des travaux au palais à partir de 1334 (notamment dans
la pièce appelée le « studium »), là encore en achetant des carreaux
à Saint-Quentin.
Pour qui ?
Le château de
Blauzac a été construit au milieu du XIVe siècle pour Pierre de Deaux, neveu du
cardinal Bertrand de Deaux, grand dignitaire auprès des papes d’Avignon, en
particulier Benoît XII. Bertrand de Deaux se fait lui-même construire un palais cardinalice à Villeneuve-lès-Avignon
entre 1338 et 1348, il l’a peut-être décoré de carrelages comme ceux que Benoît
XII venait de commander ? Lorsque son neveu Pierre obtient la seigneurie
de Blauzac en 1353, il bénéficie sans doute d’un approvisionnement chez
le même fournisseur que la cour papale… Le carrelage a donc probablement été
posé à ce moment, entre 1353 et 1355 (date de la mort du cardinal Bertrand de
Deaux).
Comment étaient-ils
fabriqués et posés ?
Ils sont faits avec une argile kaolinique, réfractaire,
typique de l’Uzège, sans doute mise en forme avec des moules en bois. Les bords
en biseau servaient à faciliter le démoulage avant séchage et cuisson, et aussi
à faciliter la prise du mortier à la pose. Les carreaux unis sont recouverts
d’une glaçure à base d’oxydes minéraux (plomb pour le jaune, cuivre pour le vert,
manganèse pour le brun). Les carreaux à motifs sont d’abord recouverts d’une glaçure
blanche opaque à base d’étain puis les motifs sont peints au pinceau, avec des oxydes
de cuivre (vert) et de manganèse (brun). Ils sont peints rapidement, à main
levée, il n’y a pas trace de dessins préparatoires : on voit l’entraînement
et le savoir-faire des artisans ! On admire aussi la variété des motifs,
presque tous différents. Ces décors se retrouvaient aussi sur la vaisselle de
l’époque.
Au Palais des Papes les carreaux sont posés en diagonale, un
carreau à motif alternant avec un uni jaune et un uni vert. Les carreaux de Blauzac ont été
déposés sans faire de relevé, on ne sait donc pas comment ils étaient posés à l’origine
mais il y avait sûrement une alternance entre carreaux à motifs et unis.
Il est très rare que des carrelages aussi anciens aient été
conservés, ce type de sol était fragile (beaucoup moins solide que les
carrelages actuels), et une fois usés, les carreaux étaient généralement
remplacés par un nouveau revêtement plus à la mode. Le carrelage du Palais des
Papes a survécu parce qu’il avait été recouvert par un autre dallage qui l’a
protégé jusqu’à ce qu’on le redécouvre en 1963. Les carreaux de Blauzac ont été
préservés parce que l’étage du château où ils se trouvaient, ayant été
incendié, n’avait plus été occupé par la suite.
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Rendez-vous le jeudi 24 octobre 2019 à 16h.
L’objet du mois de juin 2019 : deux estampes japonaises
A quoi ça
ressemble ?
Il s’agit de deux feuilles de papier souple, portant des
images vivement colorées. Sur l’une, une femme en kimono, agenouillée, se
recoiffe devant un miroir. Une plante en pot se trouve près d’elle. Sur
l’autre, une femme en kimono fume une petite pipe, assise dans un palanquin.
Sur les deux images, des cartouches portent des inscriptions en idéogrammes.
Qu’est-ce que ça
représente ?
Ces femmes sont bien sûr des Japonaises en costumes
traditionnels. Elles sont représentées dans leurs occupations quotidiennes et
leurs loisirs. Les cartouches colorés en haut à droite indiquent que ces images
appartiennent à une série intitulée « 24 beautés d’aujourd’hui et leurs
loisirs » (Nijûshiko imayo bijin). Les textes à gauche du titre précisent
les loisirs en question : dans la première image, c’est la « femme
qui aime les plantes », dans la deuxième, la « femme qui aime
voyager ». Cette dernière est en tenue de voyage, avec une coiffe pour protéger
ses cheveux. Elle s’accorde une pause en sortant de son étui une pipe en métal
et une blague à tabac. Ses dents noircies et ses sourcils rasés indiquent qu’il
s’agit d’une femme mariée appartenant à un milieu aisé. Le palanquin en bambou
(kago) porté par des serviteurs était
un moyen de transport courant dans le Japon d’autrefois ; les chevaux
étaient réservés aux samouraïs.
C’était d’ailleurs souvent le cas des séries d’estampes sur
le thème des « belles femmes », très à la mode dans le Japon de
l’époque d’Edo. Les estampes n’étaient pas forcément considérées comme un art
réservé aux esthètes mais plutôt comme un média à destination du grand public,
comparable à la presse « people » ou aux réseaux sociaux d’aujourd’hui,
permettant de diffuser largement les portraits des célébrités de l’époque
(acteurs de théâtre, courtisanes) et les dernières tendances de la mode.
Qui l’a fait et de
quand ça date ?
Le nom de l’artiste est indiqué dans le cartouche en bas à
droite : Toyokuni. Il s’agit en fait du troisième artiste à porter ce nom.
Né en 1786 à Edo (ancien nom de Tokyo), il s’appelait Utagawa Kunisada mais
reprit le nom de son maître, Toyokuni (dont un autre élève portait déjà le nom
de Toyokuni II). Sa production d'estampes est très abondante (plus de 20 000
dans toute sa carrière!), ses sujets de prédilection sont les portraits
d’acteurs, de beautés, de lutteurs de sumo... Il décède en 1865. Ses dernières
années voient un renouveau qualitatif : la série des « 24 beautés »,
parue en 1863, est une de ses plus réussies. C’est aussi un reflet des
dernières splendeurs d’un monde qui va bientôt disparaître, celui du Japon
traditionnel. Avec l’ère Meiji, à partir de 1868, le Japon s’ouvre aux
influences occidentales et se modernise à marche forcée : le chemin de fer
va remplacer les palanquins, et le noircissement des dents est officiellement
interdit en 1870...
Comment c’est
fait ?
Les estampes japonaises sont imprimées à partir de planches
de bois gravé. L'artiste réalise d'abord un dessin au pinceau et à l'encre sur
un papier très fin. Il le confie ensuite au graveur, qui colle le dessin à
l'envers sur une planche de bois de cerisier (le dessin reste visible par
transparence). Le graveur creuse à l'aide de ciseaux et de gouges, pour dégager
les zones blanches du dessin, ne laissant en relief que les lignes. La planche
est ensuite encrée pour l'impression. On n'utilise pas de presse comme en
Occident : on place une feuille de papier humide sur la planche et on
appuie sur le dos de la feuille avec un tampon de feuilles de bambou. Pour une
estampe en couleurs, on grave autant de planches que de couleurs utilisées
(jusqu'à une douzaine), et on les imprime successivement sur la même feuille.
Le papier utilisé est fabriqué à partir de fibres d'écorce de mûrier, il est à
la fois fin, souple et très résistant.
En général on imprimait environ 200 exemplaires mais les
derniers étaient moins réussis car les planches s'usaient... Quand une estampe
avait du succès (certaines dépassaient les 2000 exemplaires vendus !),
l'éditeur n'hésitait donc pas à faire graver de nouvelles planches.
L'estampe porte en général le nom de l'artiste, avec son
sceau imprimé en rouge. Parfois le nom du graveur ou de l'éditeur est également
indiqué en plus petit. Un sceau circulaire indique que la publication a été
autorisée par la censure : le gouvernement des shoguns interdisait toute
image critique envers l'Etat.
Comment est-ce arrivé
au musée ?
Ces deux estampes ont été achetées en 1951 par l'association
des Amis du musée à la veuve de Georges Caron, fresquiste et décorateur. Caron
avait notamment assisté le peintre Gustave-Louis Jaulmes dans la réalisation de
fresques pour la villa Kérylos à Beaulieu-sur-Mer, superbe villa reconstituant
une maison grecque antique (1903-1907). Comme beaucoup d'artistes, il s'était
sans doute constitué une collection qui pouvait être une source d'inspiration.
Dès les années 1860, les artistes occidentaux avaient été fascinés par les
estampes japonaises : Monet, Rodin, Van Gogh, les collectionnaient. Les
estampes de Toyokuni III, diffusées à un grand nombre d'exemplaires et
relativement récentes, étaient encore très accessibles en Occident au début du
20e siècle, et elles restaient plus abordables que celles des artistes les plus
connus comme Hokusai ou Hiroshige.
Découvrez l'objet du mois en visite guidée au musée !
Rendez-vous le jeudi 20 juin 2019 à 16h.
L’objet du mois d’avril 2019 : « Les Chemins d’André Gide » par Martine Lafon
A quoi ça
ressemble ?
C’est un ensemble de quatre cadres vitrés mesurant chacun 40
cm de haut sur 50 cm de large, comprenant chacun une photographie en couleurs
et une estampe en noir et blanc. Les verres des cadres portent des motifs
gravés.
Qui l’a
fabriqué ?
Les cadres sont signés et datés en bas à droite : « Martine
Lafon, 2001 ». Longtemps installée à Uzès, Martine Lafon est une artiste
qui utilise des formes variées : dessin, estampe, livre d’artiste, mais
aussi interventions « in-situ » dans des lieux et paysages variés.
Artiste nomade, depuis une trentaine d’années, elle expose et crée dans les
endroits les plus divers, dans toute la France (notamment grâce à des résidences
artistiques) mais aussi en Pologne, en Lettonie...
Qu’est-ce que ça
représente ?
Cet ensemble formant polyptique est intitulé « Les
Chemins d’André Gide ». Chacun des cadres porte en légende le nom d’un
endroit de la vallée d’Eure à Uzès, lieu cher à Gide qui raconte dans son récit
autobiographique Si le Grain ne meurt
les promenades de son enfance lors de ses vacances chez sa grand-mère à Uzès. On
identifie ainsi « Gisfort », « Le Serbonnet », « Le
chemin de la falaise », « Le chemin des bugadières ».
Le récit de Gide ne pouvait pas laisser indiférente Martine
Lafon, qui a un temps exercé comme guide touristique, grâce à sa connaissance
approfondie de l’histoire et du patrimoine local. De plus, le paysage est une
de ses thématiques de prédilection. Elle aime confronter les détails de
paysages photographiés et leur interprétation graphique, en de subtils
décalages et variations : « L’usage de la photographie permet de
prélever un élément particulier de l’environnement. [...] Il déclenche alors de
la matière à dessiner qui revisite la photographie ou lui fait écho »
(site www.martinelafon.com ).
C’est ainsi que, s’inspirant de passages de Si le Grain ne meurt, l’artiste saisit
quatre fragments de la vallée d’Eure, mis en regard d’estampes qui n’en sont
jamais des reproductions fidèles mais plutôt d’autres points de vue, vus sous
d’autres angles et transposés de la netteté de la photographie en couleurs à la
matière rugueuse du trait en noir et blanc. Les plaques de verre gravées qui
recouvrent les cadres achèvent de brouiller les pistes et d’unifier ces images
hétérogènes.
Il ne s’agit pas d’une simple illustration du texte de
Gide ; l’artiste a choisi de se détacher de la stricte représentation du
réel, privilégiant les grandes masses rocheuses plutôt que la rivière et les
résurgences qui baignent les prés. Ses estampes dégagent les lignes de force,
éliminent la végétation qui pourrait adoucir les contours, révélant « cet étrange amour de l’inhumain, de
l’aride » que chantait l’écrivain. Le regard se perd, sans rien pour
donner une échelle de proportions : on pourrait tout aussi bien y voir des
détails microscopiques qu’un site grandiose. Mais l’artiste ouvre des
pistes : un sentier suit la crête d’une dalle calcaire, des marches
taillées dans le rocher nous incitent à descendre. Vers quoi ? La rivière
reste cachée et la vallée garde son mystère, attraction irrésistible pour un
enfant aventureux comme pouvait l’être le petit André... Il n’est pas
indifférent de souligner ici la prédilection de Martine Lafon pour les
personnages de contes (le Petit Chaperon Rouge, Alice au pays des merveilles,
Pinocchio), que la curiosité pousse à explorer des chemins dangereux.
De quand ça
date ?
L’œuvre est datée de 2001, année du cinquantenaire de la
disparition d’André Gide (1869-1951). Elle a également donné lieu à la
publication d’un livre d’artiste, la même année, aux éditions Post Rodo à Uzès,
« Un petit mamelon calcaire »,
André Gide et le paysage uzétien. Le livre reprend les mêmes images que le
polyptique ; les verres gravés sont remplacés par des feuilles de papier
calque imprimé en blanc. Dans son texte d’introduction, Martine Lafon note avec
justesse que lorsque Gide écrit ses pages sur Uzès, il a déjà beaucoup voyagé,
et que des paysages étrangers viennent se superposer à ses souvenirs d’enfance.
Devant le Pont Saint-Nicolas, il évoque la Palestine ; la petite cité a
pour lui le charme de celles de l’Ombrie ; quant aux rochers de la vallée
de l’Eure, ils ressemblent à des falaises marines (comme celles d’Etretat,
proches de son domaine normand de Cuverville), et la « garrigue
rauque » préfigure sa fascination pour les déserts d’Afrique du Nord. Ainsi
Uzès est comme la matrice de tous les paysages de sa vie future. C’est que la
petite cité occupait dans le cœur
de Gide une place préservée : racines familiales, mémoire de ses ancêtres
protestants, mélange paradoxal de douceur et d’austérité...
Comment est-ce arrivé
au musée ?
L’œuvre
a été achetée par l’association des Amis du musée en 2002 avec le soutien du
FRAM (fonds régional d’acquisition pour les musées) Languedoc-Roussillon. Elle
a trouvé sa place dans la salle consacrée à André Gide. Le musée conserve de
nombreux documents et portraits de l’écrivain mais il est important de montrer
que son œuvre est toujours actuelle et inspire encore les artistes
contemporains.
Découvrez l'objet du mois en visite guidée au musée !
Rendez-vous le jeudi 18 avril 2019 à 16h.
Radio Fuze suspend provisoirement sa diffusion en FM. Retrouvez l'émission Fréquence Musées dès la reprise de la diffusion FM.
L’objet du mois de
mars 2019 : « Bouquet de
roses » par Henri Girardot
A quoi ça
ressemble ?
C’est une huile sur toile, représentant un bouquet de roses
dans un vase, mesurant 45 cm de haut sur 60 cm de large.
Qui l’a
fabriqué ?
Le tableau est signé à droite : « H. Girardot ».
Il s’agit d’Henri Girardot (1878-1937), né à Grenoble dans un milieu aisé. Dès
l’adolescence sa vocation artistique s’affirme, mais il est de santé fragile,
souffrant d’une légère hémiplégie. Il peint des paysages dans le grand parc du
domaine familial à Meylan. De 1906 à 1914, il expose dans des salons
parisiens : Salon d’Automne, Salon des Indépendants, ainsi qu’à Grenoble,
où le conservateur du musée, Andry-Farcy, l’encourage. En 1914 il épouse son
infirmière Paulina Lindberg, d’origine suédoise. Pendant la guerre il ouvre
dans sa propriété une maison de convalescence qu’il finance entièrement, ce qui
finit par le ruiner. Il vend la propriété en 1919. En 1921, il s’installe à
Uzès, le climat étant favorable à la santé de son épouse (elle décède en 1928).
Il continue à peindre, principalement des bouquets de fleurs en atelier. Séduit
par la poterie de l’Uzège, il se fait aussi décorateur, peignant des fleurs sur
de la vaisselle, notamment pour le céramiste Pichon, mais il gagne à peine sa
vie. Les dettes s’accumulent : dans le Journal
d’Uzès du 22 mai 1937 figure l’annonce légale d’une vente de meubles
« à suite de saisie-exécution sur la tête de M. Henri Girardot, poterie
d’art ». Veuf, malade, Girardot ne peut supporter cette épreuve ; il
se suicide le 24 mai 1937. Il est enterré au cimetière protestant d’Uzès. Il a
laissé à Uzès le souvenir d’un personnage affable, qui gardait une allure
aristocratique même dans sa longue blouse blanche de travail.
Qu’est-ce que ça
représente ?
La nature morte, représentation d’objets, de fruits ou de
fleurs, est une très ancienne tradition remontant à l’Antiquité. Dans la peinture
occidentale, à partir de la Renaissance, les bouquets de fleurs ont une
signification allégorique, ils expriment à la fois la beauté de la nature et le
caractère éphémère de la vie et de la beauté (par la présence de fleurs fanées
ou d’insectes). Avec l’Impressionnisme, ce symbolisme s’efface au profit du pur
plaisir de jouer avec les formes et les couleurs des fleurs.
Les bouquets de fleurs étaient le sujet de prédilection de
Girardot, surnommé « le peintre des fleurs ». A cause de son
handicap, il préférait peindre en atelier, achetant des quantités de bouquets
au fleuriste. La petite histoire raconte que son percepteur lui reprochait de
dépenser son argent en futilités au lieu de payer ses impôts... Girardot
exprime toute sa sensibilité dans ces fleurs vibrantes de couleur, bossées à
grands traits. Dans la revue La Cigale
Uzégeoise de septembre 1930, Pierre Arnaud soulignait : « Point
de détails inutiles, [...] mièvrement léchés, mais une largeur et une vigueur
de touche admirablement évocatrices ». Ici l’artiste traite les fleurs
dans un camaïeu de rose, rehaussé par le vert des feuilles et contrastant
subtilement avec le rouge de la nappe et l’arrière-plan noir.
Comment est-ce arrivé
au musée ?
Le Journal d’Uzès du 30 août 1930 nous
apprend le don de ce tableau au musée par Robert Mauduit, professeur au collège
d’Uzès (futur lycée).
De quand ça
date ?
Le tableau a été peint au plus tard en 1930 ; il a sans
doute été acheté par le donateur lors d’une exposition des oeuvres de Girardot
dans son atelier-galerie d’Uzès, sur l’Esplanade. La même année 1930, Girardot
avait également exposé à Paris à la galerie Bernheim jeune, toujours des
bouquets de fleurs. Grâce à l’appui du sénateur du Gard, Jean Bosc, il avait
même obtenu l’achat d’un tableau par l’Etat. Girardot est peu présent dans les
collections publiques : le musée de Grenoble cosnerve quelques paysages,
le musée d’Uzès deux bouquets (ce tableau et une aquarelle). Malgré une
rétrospective en 1992 à Voiron et Uzès, Girardot reste un peintre méconnu. Mais
il ne cherchait pas le succès à tout prix, écrivant : « L’art ne doit pas
être abaissé pour plaire. Il doit s’imposer : que les artistes vivent pour
leur art et non pas par leur art ».
Découvrez l'objet du mois en visite guidée au musée !
Rendez-vous le jeudi 21 mars 2019 à 16h.
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mars 2019
L’objet du mois de février 2019 : « Il n’est pas de rose... »
par Alix Marquet
A quoi ça ressemble ?
C’est une sculpture en plâtre,
représentant une petite fille nue, portant la main à sa bouche. A
ses pieds est posée une rose. La figure est plus grande que nature,
elle mesure 1,20 m de haut.
Qui l’a fabriqué ?
La signature à l’arrière du socle
est celle d’Alix Marquet. Né en 1875 dans un petit village de la
Nièvre, il était le fils d’un tailleur de pierre. Dès le plus
jeune âge, Alix Marquet manifeste ses capacités artistiques,
taillant des sculptures avec les outils de son père. Un peintre
local encourage sa vocation et persuade ses parents de le laisser
partir à Paris en 1891, à seize ans. Pour subsister, il devient
assistant du sculpteur Théophile Barrau. Il se forme surtout seul,
en suivant des cours de dessin et d’anatomie comme auditeur libre.
Dès 1893, il est admis au Salon des Artistes Français, où il
expose un buste de son père. Il exposera désormais chaque année
des bustes en plâtre au Salon. En 1901, sa première statue,
« Imploration », est achetée par l’Etat et reçoit la 3e médaille du Salon. C’est le début de la reconnaissance : 2e médaille en 1903, médaille d’or
en 1905... Marquet devient un sculpteur officiel, familier des
commandes de l’Etat, récompensé par la Légion d’Honneur en
1910, membre du jury du Salon des Artistes Français. Il alterne les
sujets dramatiques (familles en deuil, paysans usés par le travail)
et joyeux (nus féminins, scènes de la vie paysanne). Après la
Grande Guerre, il réalise de nombreux monuments aux morts dans la
Nièvre. Il meurt en 1939.
Qu’est-ce que ça représente ?
Le titre est écrit sur le socle « Il
n’est pas de rose... » sans épines, bien sûr. Pour
illustrer cette expression, Marquet représente une fillette nue,
suçant son doigt blessé ; à ses pieds, crispés par la
douleur, gît la rose qui l’a piquée. Le sculpteur a choisi de
représenter l’enfant plus grande que nature, ce qui produit un
effet assez étrange. Le sujet est bien anodin, voire mièvre :
ce n’est qu’un prétexte pour se concentrer sur le nu et
l’expression de la douleur. La critique de l’époque ne tarissait
pourtant pas d’éloges sur « ce joli corps d’enfant qui
frissonne, agité, crispé, torturé, de la tête aux pieds, sous le
choc inattendu d’une piqûre d’épine ! ».
De quand ça date ?
La version en plâtre de cette statue
fut exposée en 1905 au Salon des Artistes Français. Deux ans plus
tard, Marquet exposa au même Salon une version en marbre, qui lui
valut le Prix National. La statue connut un beau succès et fut
éditée en plusieurs matières : au 19e siècle,
l’artiste créait d’abord une maquette en terre glaise modelée
puis en faisait un moulage en plâtre (épreuve originale) qui
servait de référence pour la fabrication d’autres versions, en
marbre, en bronze ou en plâtre (épreuves de série). Le musée de
Nevers conserve une version en plâtre patiné couleur bronze ;
quant à la version en marbre primée en 1907, elle n’a pu être
localisée.
Comment est-ce arrivé au musée ?
En 1909, le peintre José Belon décide
de créer à Uzès un musée de peinture et de sculpture (l’ancêtre
du musée actuel). Belon est un Gardois installé à Paris, où il
fréquente de nombreux artistes, auxquels il demande de donner des
oeuvres. C’est ainsi que grâce à lui, des tableaux et des
sculptures arrivent à Uzès pour le tout nouveau musée qui ouvre à
l’été 1910. Dans le Journal d’Uzès du 27 mars 1910,
Belon avait annoncé : « Alix Marquet [...] doit nous
faire don d’une épreuve de sa délicieuse figure : Il n’est
pas de roses sans épines, représentant une fillette de six ans,
tout en larmes pour avoir saisi à pleines mains la branche
tentatrice. Cette sculpture est un petit chef-d’oeuvre de grâce et
de vérité qui attendrira, j’en suis certain, les futurs visiteurs
du Musée d’Uzès. »
La rose oubliée
La statue est présentée à partir de
1910 au musée, à cette époque installé à l’étage de la
mairie. En 1945, Georges Borias, un jeune professeur de dessin,
reprend la direction du musée. Il dresse l’inventaire des
collections et y inclut la statue sous la dénomination « Petite
fille piquée par une rose ». Mais de 1959 à 1968, Borias est
muté à Paris, il ne revient à Uzès que pendant les vacances
scolaires. C’est sans doute à ce moment que la statue est
déplacée. Borias ne semble pas avoir été averti, puisqu’il note
sur la fiche d’inventaire que l’œuvre est « disparue ».
Les années passent, le musée est transféré dans l’ancien évêché
et la statue est oubliée... avant d’être retrouvée en 2004 dans
les combles de la mairie ! Les travaux sur la toiture ont permis
de la sortir et grâce à l’obligeance des services techniques
municipaux, de la rapatrier au musée, un peu encrassée et avec
quelques petits accidents de surface ; mais dans l’ensemble la
petite fille se porte bien, surtout après les épreuves qu’elle a
traversées !
Rendez-vous le jeudi 21 février 2019 à 16h.
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, février 2019
L’objet du mois de janvier 2019 : stèle de Callimorphus
A quoi ça ressemble ?
C’est une plaque de marbre
rectangulaire d’environ 30 cm de haut sur 38 cm de large. Elle
porte une inscription gravée en majuscules, de taille irrégulière :
D M / BELLIA SECVN / DILLA L IVLIO CAL / LIMORPHO LIB /
PIENTISSIMO ».
A quoi ça servait ?
Il s’agit d'une
stèle funéraire, comme l'indique l'abréviation du début « D
M », c'est-à-dire « Dis Manibus » = « aux
dieux mânes » (les mânes étaient les esprits des ancêtres,
ils étaient donc invoqués pour la protection des défunts).
Le texte complet
de l’inscription doit se lire « D(is) M(anibus). Bellia
Secundilla L(ucio) Julio Callimorpho lib(erato) pientissimo »,
ce qui signifie en latin : « aux dieux mânes, Bellia
Secundilla, au plus dévoué des affranchis Lucius Julius
Callimorphus ». C’est donc une femme, Bellia Secundilla, qui
a dédié cette stèle à un esclave affranchi (« liberatus »).
Le nom en trois parties indique que cet homme jouissait du statut de
citoyen romain : sont indiqués son prénom (Lucius), son
gentilice ou nom de famille (Julius) et son surnom (Callimorphus). Le
nom de famille, Julius, est celui d’une des plus importantes
familles romaines (à laquelle appartenait Jules César), mais ce nom
était extrêmement répandu car les esclaves affranchis prenaient le
prénom et le nom de famille de leur maître, ici sans doute le nom
du mari de Bellia Secundillia. Les affranchis gardaient leur nom
d'origine comme surnom. C'était souvent un nom dérivé du grec
(même quand l'esclave n'était pas grec), parfois un sobriquet plus
ou moins flatteur. Ici le surnom Callimorphus signifie littéralement
« aux belles formes » : s’agissait-il d’un
esclave particulièrement séduisant ?
De quand ça date ?
Bien qu'elle soit écrite en
majuscules, l'inscription est irrégulière, avec des lettres de
hauteurs différentes, aux lignes incurvées : c'est l'écriture
dite « capitale rustique ». Habituellement les
inscriptions gravées utilisent plutôt la « capitale carrée »,
plus anguleuse et régulière ; la capitale rustique se trouve
surtout dans les inscriptions peintes ou écrites à la main mais
elle est parfois aussi utilisée pour les inscriptions gravées car
elle permet de gagner de la place avec ses lettres étroites. Elle
est très fréquente du IVe au VIe siècle, bien qu'on la trouve dès
le Ier siècle de notre ère : elle n'est donc pas toujours liée
à une datation tardive mais peut aussi indiquer une gravure de stèle
moins soignée (et moins coûteuse) que la capitale carrée.
Le meilleur indice de datation est la
formule abrégée « D M », utilisée à partir du IIe
siècle et jusqu'au IIIe siècle.
D’où ça vient ?
C’est Eugène Germer-Durand qui nous
raconte l’histoire mouvementée de cet objet, dans les Mémoires
de l’Académie de Nîmes en 1875. La première mention de cette
stèle est faite au 17e siècle par Gaillard Guiran,
conseiller au présidial de Nîmes et érudit, qui établit dans les
années 1650 un répertoire manuscrit des inscriptions antiques de
Nîmes. La stèle se trouve alors en effet à Nîmes chez un de ses
confrères du présidial, M. d'Arbaud. Un siècle plus tard, l'érudit
nîmois Jean-François Séguier signale que la stèle se trouve dans
le village de Blauzac : ce déplacement s'explique du fait que
les Arbaud étaient co-seigneurs de Blauzac. Encore un siècle après,
la stèle est retrouvée dans un endroit insolite : sur le toit
du château de Blauzac ! C’est le curé de Domazan, l’abbé
Blanc, qui la repère en 1863, encastrée dans une cheminée. Elle
est ensuite achetée par M. Rousset, bijoutier à Uzès et grand
collectionneur d’antiquités. A partir des années 1850, Rousset
avait constitué à son domicile un véritable musée privé,
réunissant entre autres de l’archéologie locale (objets
préhistoriques et antiques découverts en Uzège), du mobilier
ancien, des armes de collection, des faïences, des émaux, une
collection d’insectes. Le clou de ce musée était un orchestre
composé de trente écureuils empaillés, chacun muni d’un
instrument de musique miniature, actionnés par un mécanisme
permettant de faire jouer l’orchestre...
Comment est-ce arrivé au musée ?
La collection Rousset semble avoir été
dispersée dans les années 1930, mais quelques objets romains, dont
cette stèle, avaient été conservés par M. Veistroffer (bijoutier
à Uzès et héritier de M. Rousset), qui en a fait don au musée en
1950.
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, janvier 2019
L’objet du mois de décembre
2018 : armoire peinte
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, décembre 2018
L’objet du mois de novembre 2018 : cartes de « bureau
typographique », 18e siècle
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, novembre 2018
L’objet du mois d’octobre 2018 : « Les Fonds de Saint-Clair »,par Zoum Walter
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, octobre 2018
L’objet du mois de septembre
2018 : collection de coquillages
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, septembre 2018
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juillet 2018
L’objet du mois de
juin 2018 : portrait du général Sorbier
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juin 2018
L’objet du mois de mai
2018 : Jeu des Faux-Monnayeurs
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mai 2018
L’objet du mois d'avril
2018 : confirmation du statut des apothicaires d’Uzès
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, avril 2018
L’objet du mois de
mars 2018 : vase par Gerbino
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mars 2018
L’objet
du mois de février 2018 : sabre d'infanterie dit « briquet »
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, février 2018
L’objet
du mois de janvier 2018 : planche d’impression sur étoffe
L’objet du mois de décembre 2017 : stèle funéraire de tonnelier
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, décembre 2017
L’objet du mois de novembre 2017 : Nature morte aux toupins, par
Georges Borias
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, novembre 2017
L’objet
du mois d’octobre 2017 : formeà papier
Sommaire de l'émissionRéécoutez l'émission Fréquence Musées, octobre 2017
L’objet du mois de
septembre 2017 : Vue de la chapelleSaint-Geniès, par Jimmy Butler
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, septembre 2017
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, août 2017
L’objet du mois de
juillet 2017 : « Jeune fille au bol », par
Léon Delachaux
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juillet 2017
L’objet du mois de juin
2017 : portrait du chanoineSconin
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juin 2017
L’objet du mois de mai 2017 : "Le Voyage u Congo" d'André Gide
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mai 2017
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, avril 2017
L’objet du mois de mars 2017 : chaise Sénoufo, Côte-d’Ivoire
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mars 2017
L’objet du mois de février 2017 : portrait de Théo vanRysselberghe, par Alexandre Charpentier
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, février 2017
L’objet du mois de janvier
2017 : bannière de lacorporation des maçons d’Uzès
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, janvier 2017
L’objet du mois de
décembre 2016 : cor en terre cuite,
Néolithique final
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, décembre 2016
L’objet du mois de
novembre 2016 : « Portrait de Firmin Abauzit », par Léon Alègre
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, novembre 2016
L’objet du mois d'octobre 2016 : paire d'armoires peintes, 18e siècle
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, octobre 2016
L’objet du mois de septembre 2016 : urne de vote, milieu du 19e siècle
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, septembre 2016
L’objet du mois d’août
2016 : stèle de Jupiter
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, août 2016
L’objet du mois de juillet
2016 : bannière de la société Sainte-Cécile
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juillet 2016
Sommaire de l'émissionRéécoutez l'émission Fréquence Musées, juin 2016
Emission spéciale « Journées Catherine Gide »
Les 23 et 24 avril ont eu lieu les troisièmes Journées Catherine Gide au Lavandou : deux jours de conférences et de rencontres autour d'André Gide. Fréquence Musées y était, et vous fait découvrir la personnalité hors du commun de l'amie de Gide, Maria Van Rysselberghe, surnommée la « Petite Dame », révélée par une exposition à l'Hôtel de Ville du Lavandou, à voir jusqu'au 30 mai 2016.
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, spécial « Journées Catherine Gide »
L’objet du mois de mai
2016 : « Les Magnanarelles » par José Belon
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mai 2016
L’objet du mois d’avril
2016 : « Vue
du Gardon », par Charles Gide
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, avril 2016
L’objet du mois de mars
2016 : « Terrasse à Uzès », par Henri Brugnot
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mars 2016
L’objet du mois de février
2016 : « Lepassage de la duchesse d’Angoulême au Pont du Gard », par Christophe Jusky
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, février 2016
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, janvier 2016
L’objet du mois de
décembre 2015 : jeu« Ombro-cinéma », par Maurice Saussine
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, décembre 2015
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, novembre 2015
L’objet du mois d'octobre 2015 : « La Lutte d’hommes », par José Belon
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, octobre 2015
L’objet du mois de
septembre 2015 : portrait de Théophile Gide
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, septembre 2015
L’objet du mois d’août 2015 : drapeau des Sapeurs-Pompiers d’Uzès
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, août 2015
L’objet du mois de
juillet 2015 : cape à la polonaise
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juillet 2015
L’objet du mois de juin
2015 : maquettes en liège de monuments antiques
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juin 2015
L'objet du mois de mai 2015 : chaise à porteurs de la famille d'Amoreux, 18e siècle
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mai 2015
L’objet du mois d'avril
2015 : dessins d’un élève de l’école d’enseignement mutuel d’Uzès
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, avril 2015
L’objet du mois de mars
2015 : Plan de la chapelle Saint-Geniès d’Uzès, par Bègue
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mars 2015
L’objet du mois de février 2015 : cantine de fileuse
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, février 2015
L’objet du mois de janvier 2015 : ornements du cardinal Pacca
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, janvier 2015
L’objet du mois de décembre 2014 : ensemble de vases décoratifs aux armes d’Uzès, fabrique Pichon
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, décembre 2014
L’objet du mois de novembre 2014 : « Flore Uzétienne » par Eugène Delorme
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, novembre 2014
L’objet du
mois d'octobre 2014 : « Portrait d’homme »
par Ferdinand Roybet
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, octobre 2014
L’objet du mois de septembre 2014 : « L’église Saint-Etienne à Uzès », par Fernand Siméon
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, septembre 2014
L’objet du mois d'août 2014 : « Le jour de la grève, pont du Rialto, Venise, 1904 » par Marcelle Rondenay
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, août 2014
L’objet du mois
de juillet 2014 : bague de "Poilu"
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juillet 2014
L’objet du mois
de juin 2014 : trésor monétaire du 15e siècle
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juin 2014
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, avril 2014
L’objet du mois de mars 2014 : brique de la fabrique Ducros à Saint-Quentin la Poterie
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mars 2014
L’objet du mois de février 2014 : « Carmen » par Henri Allouard
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, février 2014
L’objet du mois de janvier 2014 : bannière des cheminots catholiques d’Uzès
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, janvier 2014
L’objet du mois de décembre 2013 : pipe en terre « Jacob », fabrique Job Clerc
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, décembre 2013
L’objet du mois de novembre 2013 : « Etude de tête et de mains » par Melchior Doze
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, novembre 2013
L’objet du mois d'octobre 2013 : portrait tissé de Xavier Sigalon
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, octobre 2013
L’objet du mois de septembre
2013 : « Les Magnanarelles » par José Belon
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, septembre 2013
Exceptionnellement, pas d'Objet du mois en août 2013
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, août 2013
L’objet du mois de juillet 2013 : défense de mammouth
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juillet 2013
L’objet du mois de juin 2013 : calebasses gravées de Guyane
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, juin 2013
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mai 2013
L’objet du mois d’avril 2013 : coffre en fer du 17e siècle
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, avril 2013
L’objet du mois de mars 2013 : « Les brodeuses de Pont-l’Abbé », par Berthe Bourgonnier-Claude
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, mars 2013
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, février 2013
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, janvier 2013
Sommaire de l'émission
Réécoutez l'émission Fréquence Musées, décembre 2012
L’objet du mois de novembre 2012 : carreaux de pavement du 14e siècle
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Réécoutez l'émission Fréquence Musées, novembre 2012
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4 commentaires:
Bonjour,
Il est noté dans votre notice que le duchesses d'Uzès avait un château à Bonnelles
Ce qui est exact...
Par contre Bonnelles se trove dans la région parisienne, dans l'actuel département des Yvelines et non en Bourgogne
Cordialement
Bonjour,
merci pour cette précision, j'ai corrigé le texte.
bien cordialement
La Conservatrice
Bonjour,
Je ne sais pas s'il y a un rapport mais au sujet du tableau "Les brodeuses de Pont-l'Abbé", offert par la duchesse d'Uzès, née Mortemart, au musée, la famille de Mortemart possédait à l'époque où le tableau a été peint le château du Cosquer à Combrit, commune distante de quelques kilomètres de Pont-l'Abbé.
Bien cordialement,
Serge Duigou.
Bonjour,
merci pour l'information, c'était sûrement une motivation supplémentaire pour la duchesse dans le choix de cette oeuvre !
bien cordialement
La Conservatrice
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